Ópera Remix se presentó ayer en el Teatro Maipo

(Buenos Aires)




Se presentó ayer en una única función en el Teatro Maipo el espectáculo de  Ópera Remix  dentro del ciclo Los especiales del Maipo.

Ópera Remix es un grupo de cantantes líricos de gran nivel nacional, formados en el Teatro Colón, que nació con el fin de brindar por un camino diferente un show innovador que une opera con pop y ritmos electrónicos que sorprenden.

Entre los fragmentos de ópera que se pudieron escuchar están Va pensiero (Nabucco), Barcarola (Los cuentos de Hoffman), La Donna e Mobile (Rigoletto), Brindis (La Traviata), Nessun Dorma (Turandot), Habanera (Carmen), E Lucevan le Stelle (Tosca), Vals de Musetta (La Boheme) y también Vivo per Lei (Andrea Bocelli), Summertime (Porgy and Bess) y otras.

El espectáculo se distingue por una forma más moderna y nueva de ver y escuchar la ópera, donde además se combina un vestuario glamoroso, sonido de vanguardia, puesta de luces, proyecciones y una gran variedad de efectos tecnológicos.

La producción y dirección artística está a cargo de Juan Fernández Mendy.





Juan Fernández Mendy nació en Buenos Aires. Comenzó su actividad musical desde muy temprana edad estudiando piano. Años más tarde decidió dedicarse al canto. Se formó artísticamente como cantante lírico en el Instituto Superior de Arte del Teatro Colon. Se presentó como solista junto a las orquestas nacionales más importantes, siendo dirigido por grandes directores en importantes ciclos y salas del país: Teatro Colón, Teatro Argentino de La Plata, Teatro Avenida, Teatro Roma de Avellaneda, Teatro Gral. San Martín, Auditorio de Belgrano, Estadio Luna Park, entre otros. En salas fuera de la ciudad de Buenos Aires se presento en: Teatro Municipal de Bahía Blanca, Teatro Mitre de Jujuy, Estadio Ruca Che de Neuquén, Teatro Español de Comodoro Rivadavia, Teatro Auditorium de Puerto Madryn, Auditorio Victoria de San Juan, Teatro El Circulo de Rosario, entre otros, siempre integrando importantes compañías. Su carrera no sólo se limita al canto lírico, también incursiona frecuentemente en el rubro publicidad y recientemente creó el grupo OPERA REMIX, integrado por cantantes profesionales argentinos, del cual es productor y director artístico.



Diseño de gráfica y proyecciones: Cristian Tonhaiser

Caracterización: Eugenia Palafox (coordinadora)

Diseño de luces: Sergio Reale y Alejandro Díaz

Diseño de sonido: Juan Recalde

Remixado y programación de música: Anael CAntilo

Producción: Ópera Remix





http://www.operaremix.com.ar/






Teatro MAIPO - Esmeralda 443 - 4322-4882/8238





Prensa: Marcos Mutuverría - Duche & Zárate

Tsonami Buenos Aires 2011

stracs de harampálaga

Marco Scarassatti | Myspace Music Videos

(Buenos Aires)

Del 12 al 18 de Mayo, se realizará  la 3ª edición del Encuentro Internacional de Arte Sonoro y Nuevas Músicas, Tsonami Buenos Aires 2011, en el Centro Cultural Recoleta, Junin Nº 1930.

El festival contará con 8 conciertos, performances multimedia, una exposición de Instalaciones sonoras, un espacio destinado a la proyección permanente de videoarte, seminarios, talleres y conferencias a cargo de artistas nacionales e internacionales.

Se encuentra abierta la inscripción a Seminarios gratuitos. 

Para asistir a seminarios, talleres y conferencias se necesita inscripción previa mediante un formulario online, que se podrá descargar ingresando a www.tsonami.com.ar o mediante este linck https://spreadsheets.google.com/viewform?formkey=dDJvNTc4OE1CRUxxV3

BDOEJwa3ZMUEE6MQ

.

Todos los seminarios, talleres y conferencias son gratuitos:

·         Estrategias de composición en música electroacústica y mixta

Dictado por Dr. Rodrigo Sigal (México)

·         El sonido en las artes - Taller de Arte Sonoro

Dictado por Manuel Rocha Iturbide (México)

·         Deep Listening (escucha profunda)

Dictado por José María D´Angelo (Argentina)

·         Esculturas Sonoras

Conferencia a cargo de Marco Scarassatti (Sônax - Brasil)

·         Masterclass de improvisación

A Cargo de Sônax (Brasil)

·         REC. Memorias de Encuentro en Tiempo Real

Presentación A cargo de Ana Romano (Colombia)

·         Sistemas interactivos multimedia aplicados a la música por computadoras

A cargo de Sergio Olimán (México)

·         Componiendo el espacio

Ponencia a cargo de Jens Hedman (Suecia)

Para mayor información sobre contenido de los seminarios y cursos ingresar a: www.tsonami.com.ar - tsonamibsas@gmail.com

Presentación de ¡Uruguayas Campeonas! en vivo

(Buenos Aires)

La Casa Nacional del Bicentenario-Secretaría de Cultura de la Nación, la Embajada del Uruguay y el sello Lulú Discos presentan el 1º ciclo de

¡URUGUAYAS CAMPEONAS! en vivo

Sábados 15, 22 y 29 de enero a las 20hs.

Entrada gratuita (se retira una hora antes)

Casa Nacional del Bicentenario

Riobamba 985, Ciudad de Buenos Aires (4813.0301 / 0679)

Sábado 15

Eli-u

Samantha Navarro

Sábado 22

Lea Ben Sasson

Martina Gadea

Sábado 29

Estela Magnone

Ana Prada

“Excelente idea la de armar un compilado con voces femeninas de varias generaciones de la República Oriental. Magnífica selección” (La Nación)

“El disco tiene como hilo conductor esa sensibilidad uruguaya a veces inasequible, pero siempre seductora” (Guillermo dos Santos Coelho, Clarín)

“Más allá del disfrute de estas canciones, el disco cobra valor por tratarse de un proyecto novedoso” (Karina Micheletto, Página12)

“¡Uruguayas Campeonas! funciona como umbral de entrada a un universo fascinante donde conviven mágicamente artistas históricas con otras emergentes” (Daniel Hofer, Hecho en Bs As)

“El disco logra reunir  a varias generaciones y despliega un gran abanico estético” (Martín E. Graziano, Rolling Stone)

“Una compilación como esta era ya una deuda obligada” (Revista BA Voice)

¡URUGUAYAS CAMPEONAS! es la primera antología de cantoras de la Banda Oriental. Esta compilación -ideada, curada y producida por el periodista Humphrey Inzillo (editor de la revista Rolling Stone)- reúne el aporte femenino de veinte artistas a la canción uruguaya, y cuenta con el auspicio del Ministerio de Educación y Cultura de la República Oriental del Uruguay.

Desde la mítica Diane Denoir -musa del gran Eduardo Mateo- y Vera Sienra, hasta Ana Prada, Malena Muyala y Martina Gadea, entre tantas otras, ¡Uruguayas campeonas! propone un mapa cronológico, pero fundamentalmente sensible, de cantantes, intérpretes y compositoras de tres generaciones.

“La idea del disco comenzó hace unos años, cuando se hizo cada vez más habitual que las artistas uruguayas tocaran y cautivaran al público argentino… por separado. Esta antología aspira a iniciar un colectivo de cantantes con estilos diversos, pero unidas por la nacionalidad y el talento. Este ciclo es el primer paso de ese colectivo en Buenos Aires y es un orgullo darlo en un marco tan amable como el patio de la Casa Nacional del Bicentenario”, explica Humphrey Inzillo.

Más info en www.twitter.com/urucampeonas

La Casa Nacional del Bicentenario-Secretaría de Cultura de la Nación, la Embajada del Uruguay y el sello Lulú Discos presentan el 1º ciclo de

¡URUGUAYAS CAMPEONAS! en vivo

Sábados 15, 22 y 29 de enero a las 20hs.

Entrada gratuita (se retira una hora antes)

Casa Nacional del Bicentenario

Riobamba 985, Ciudad de Buenos Aires (4813.0301 / 0679)

Sábado 15

Eli-u

Samantha Navarro

Sábado 22

Lea Ben Sasson

Martina Gadea

Sábado 29

Estela Magnone

Ana Prada

“Excelente idea la de armar un compilado con voces femeninas de varias generaciones de la República Oriental. Magnífica selección” (La Nación)

“El disco tiene como hilo conductor esa sensibilidad uruguaya a veces inasequible, pero siempre seductora” (Guillermo dos Santos Coelho, Clarín)

“Más allá del disfrute de estas canciones, el disco cobra valor por tratarse de un proyecto novedoso” (Karina Micheletto, Página12)

“¡Uruguayas Campeonas! funciona como umbral de entrada a un universo fascinante donde conviven mágicamente artistas históricas con otras emergentes” (Daniel Hofer, Hecho en Bs As)

“El disco logra reunir  a varias generaciones y despliega un gran abanico estético” (Martín E. Graziano, Rolling Stone)

“Una compilación como esta era ya una deuda obligada” (Revista BA Voice)

           

           

¡URUGUAYAS CAMPEONAS! es la primera antología de cantoras de la Banda Oriental. Esta compilación -ideada, curada y producida por el periodista Humphrey Inzillo (editor de la revista Rolling Stone)- reúne el aporte femenino de veinte artistas a la canción uruguaya, y cuenta con el auspicio del Ministerio de Educación y Cultura de la República Oriental del Uruguay.

Desde la mítica Diane Denoir -musa del gran Eduardo Mateo- y Vera Sienra, hasta Ana Prada, Malena Muyala y Martina Gadea, entre tantas otras, ¡Uruguayas campeonas! propone un mapa cronológico, pero fundamentalmente sensible, de cantantes, intérpretes y compositoras de tres generaciones.

“La idea del disco comenzó hace unos años, cuando se hizo cada vez más habitual que las artistas uruguayas tocaran y cautivaran al público argentino… por separado. Esta antología aspira a iniciar un colectivo de cantantes con estilos diversos, pero unidas por la nacionalidad y el talento. Este ciclo es el primer paso de ese colectivo en Buenos Aires y es un orgullo darlo en un marco tan amable como el patio de la Casa Nacional del Bicentenario”, explica Humphrey Inzillo.

Más info en www.twitter.com/urucampeonas

Más acerca de ¡URUGUAYAS CAMPEONAS! Por Humphrey Inzillo:

“El 20 de octubre de 1967, acompañada por Eduardo Mateo, la jovencísima Diane Denoir participó en el primero de los Conciertos Beat en el característico teatro Solís de Montevideo. Ese hito en la historia de la música popular uruguaya funciona como punto de partida de esta antología, la primera que compila el aporte femenino a la música urbana de la Banda Oriental en más de cuatro décadas. 

Afortunadamente, el trabajo de estas talentosas artistas no ha pasado inadvertido. Su producción crece al mismo tiempo que esa escena que encuentra referentes en nombres de extensa trayectoria (Vera Sienra, Mariana Ingold, Estela Magnone), exponentes de una generación intermedia (Samantha Navarro, Malena Muyala) y emergentes del último lustro (Ana Prada, Eli-U, Martina Gadea). Algunas de ellas, compositoras; otras, intérpretes; todas, talentosas. 

Aunque la sensibilidad femenina es el hilván que entrelaza a estas canciones, ¡Uruguayas campeonas! no es, estrictamente, un disco de género. Este fonograma ostenta el privilegio de contar, además, con algunos de los hombres más importantes de la música popular uruguaya en carácter de intérpretes, productores o compositores. Eduardo Mateo, Jaime Roos, Rubén Rada, Fernando Cabrera, Osvaldo Fattoruso, Martín Buscaglia, Carlos Casacuberta, El Príncipe, Gustavo Montemurro y los hermanos Ibarburu, son algunos de los que acompañan a estas veinte mujeres a tocar, cantar y soñar el Uruguay”.

¡URUGUAYAS CAMPEONAS! / Lulú Discos / 2010: incluye las voces de Diane Denoir, Ana Prada, La Dulce, La Otra, Maia Castro, Mónica Navarro, Malena Muyala - Martina Gadea - Samantha Navarro - Estela Magnone - Rossana Taddei - Mariana Ingold - Berta Pereyra - Vera Sienra - Gabriela Posada - Cristina Fernández - Eli-U - Lea Ben Sasson - Carmen Pi - Pata Kramer‎.

Medios: Rolling Stone

(Buenos Aires)

En el ultimo número de la revista Rolling Stone se publica la última entrevista que le hicieron a John Lennon. El ex beatle  fue entrevistado por el redactor de Rolling Stone Johnatan Cott durante más de nueve horas en su departamento del Upper West Side de Nueva York y en los estudios de Record Plant. Tres noches más tarde, Lennon sería asesinado cuando volvía a su casa después de una sección de grabación. Originalmente, la entrevista iba a ser la nota de tapa del primer número de 1981, pero luego del asesinato de Lennon, Cott escribió un obituario y finalmente utilizó muy poco material de sus conversaciones. En ocasión de cumplirse treinta años de la muerte de Lennon, Rolling Stone publica por primera vez el texto íntegro de ese reportaje para un medio gráfico importante. Las fotografías que acompañan la nota son de la fotógrafa Annie Leibovitz.

Además, Yoko Ono, la segunda mujer y viuda de John Lennon escribe acerca de los últimos días de John.

Se trata de una entrevista imperdible, donde John Lennon se confiesa ante el periodista acerca del precio que ha tenido que pagar por su fama, de su relación con el hijo que tuvo con Yoko Ono, las dificultades que tuvieron para tenerlo y posteriormente cómo asumió la paternidad volcándose a la crianza del niño. No se había recluido, como decían, afirmó el ex beatle en la entrevista, sino que la paternidad y las tareas que él desempeñaba para criar al niño lo absorvían. Cocinaba pan, cambiaba pañales, acompañaba a su hijo. Pero, según confesó, le costaba jugar con él. Podía ver una película con él o componer una canción para él pero no podía jugar.

John habia compuesto Double Fantasy, eran los días del lanzamiento del disco,  la obra que terminaba de grabar junto a Yoko Ono cuando lo asesinaron.

También John confiesa que las dos únicas personas que había elegido como artistas para que lo acompañaran en su trabajo eran Paul McCartney y Yoko Ono. John había llevado a Paul al grupo original. The Qarrymen, él (Paul) había llevado a George y George llevó a Ringo .

A John le interesaba llegar a un público amplio y no a una élite reducida. Para él el rock and roll era eso.

John había emprendido con Yoko una cruzada por la paz mundial. La música que revolucionó el siglo XX no se olvida, hoy sigue teniendo seguidores y admiradores.

A 30 años de la muerte de John Lennon: Woman

Woman, video encontrado en youtube, con imágenes de John y Cynthia Lennon, su primera mujer y madre de su hijo, Julian.

Perfomance de Yoko Ono en el MoMA

Se puede ver en este video a Yoko Ono, viuda de John Lennon en una perfomance en el MoMA,
en 2010.

Yoko Ono, una artista de vanguardia de origen japonés, conoció a John Lennon cuando el músico y poeta formaba parte de The Beatles. Ella exponía en Londres e invitó al músico a una muestra.

A 30 años de la muerte de John Lennon, que se cumplirán mañana 8 de diciembre, Yoko Ono sigue atrayendo al público.

Música en la Fundación Proa

(Buenos Aires)

El miércoles 24 de noviembre a las 19,30 se realizará una entrevista pública al compositor Alvin Lucier.

El compositor vanguardista Alvin Lucier, uno de los más reconocidos autores de música experimental, dialogará con Gustavo Costantini a el miércoles 24 de noviembre en el Auditorio Proa. Posteriormente, el Ensamble Alter Ego ejecutará un programa de música contemporánea. Estas presentaciones se realizan en el marco del XIV Ciclo de Conciertos de Música Contemporánea, organizado por el Complejo Teatral de Buenos Aires y dirigido por Martín Bauer, que nuevamente cuenta con el auspicio de Fundación Proa.

Alvin Lucier (1931, EEUU) ha sido pionero y figura clave de la música experimental. Sus obras más recientes incluyen instalaciones sonoras y composiciones para instrumentos solistas, conjuntos de cámara y orquesta. En una única presentación, Lucier dialogará sobre distintos aspectos de la contemporaneidad con Gustavo Costantini.

El ensamble italiano Alter Ego –compuesto por los músicos Oscar Pizzo (piano), Francesco Dillon (violoncello) y Manuel Zurria (flauta), acompañados por los percusionistas Antonio Caggiano, Fulvia Ricevuto y Gianluca Ruggieri (Italia)– incluirá en su programa la pieza compuesta por Lucier “Silver Streetcar for the Orchestra” para un solo de triángulo. El compositor explicó sobre la obra: “El título lo tomé del Manifiesto Surrealista de 1922, del director español Luis Buñuel. El dio varias descripciones y títulos a todos los instrumentos de la orquesta y llamó al triángulo de la orquesta Silver Streetcar (…). El músico, sencillamente, golpea el triángulo a lo largo de toda su particular longitud (…). Es decir, oyes el triángulo en todas sus maravillosas manifestaciones, extraordinarios sonidos que nunca supiste que estaban ahí”.

Beatriz Pichi Malen. Conciertos de Música Mapuche

Noviembre: Sábado 27 - 20 hs.
Diciembre: Sábados 4, 11 y 18 - 20 hs.

Beatriz Pichi Malen, una de las voces más privilegiadas de la música mapuche, se presenta en cuatro conciertos exclusivos en el Auditorio Proa los sábados de noviembre y diciembre. Esta reconocida cantante recupera e interpreta a capella un variado repertorio de temas en su  lengua originaria, rescatando del olvido el patrimonio oral de su pueblo.

El concierto, casi despojado de tecnología, revela las distintas composiciones musicales mapuches: cantos sagrados, cantos populares, cantos de pena y de dolor, y cantos profanos, invocando los símbolos de esta cultura.

Pichi Malen acompaña las canciones con breves explicaciones y relatos, en un concierto cautivador y casi ritual que revela la fuerza y la sutileza de la música tradicional mapuche.

Descendiente del cacique Ignacio Coliqueo, Pichi Malen está dedicada a la búsqueda y difusión de la cultura de sus ancestros a través de recitales, discos y ediciones de cancioneros mapuche.

Informes: auditorio@proa.org / (011) 4104-1001

Ensayos/crónicas: Sandro de América por Araceli Otamendi

Sandro de América

(Buenos Aires) Araceli Otamendi

Sandro, el ídolo musical conocido como “Sandro de América” por el gran éxito que alcanzó ante el público tanto argentino como de otros países de América fue el personaje creado por Roberto Sánchez, el chico que provenía de Valentín Alsina, un barrio de la zona sur  bonaerense.

Hijo único de Vicente Sánchez y de Irma Nidia Ocampo se crió en un inquilinato – conventillo – de esa localidad con sueños de artista, mucho talento  y un gran trabajo.

Dos libros escritos en vida del artista  dan cuenta de cómo se forjó el ídolo de la canción popular argentina – considerado un pionero del rock nacional. La revista Rolling Stone le dedicó después de su muerte, la nota de tapa.

Uno de los libros es Sandro, el fuego eterno, de Mariano del Mazo, publicado en 2009. El otro, publicado con anterioridad es Sandro, el ídolo de Darío Suárez.

El “gitano” como también se lo apodaba a Sandro por su ascendencia gitana romané húngara además de española, vasca, francesa por parte del padre  y criolla por parte de la madre,  reconoció en varias oportunidades que además de talento y trabajo, tuvo suerte.

En una de sus primeras actuaciones con el grupo Los de Fuego, Sandro sólo tocaba la guitarra. Era el domingo 6 de mayo de 1962, una hora antes de un recital en el Salón La Polonesa, el cantante del grupo, Centurión tuvo una afonía inesperada: “…Primero el grupo largó con temas instrumentales con la ilusión de que fuera recuperando la voz. Pero no había caso. Entonces, Sandro lo reemplazó en los primeros temas. Fue ovacionado. Nuevamente se colaba la casualidad. Ya nada volvería a ser como antes. La mecha estaba encendida: en meses Los de Fuego pasarían a ser Sandro y Los de Fuego…”.

La voz de Sandro, su estilo parecido al de Elvis Presley, sus canciones melódicas, el ídolo, se impusieron en América Latina y también en Estados Unidos donde tenía al público latino, mayoritariamente portorriqueño a sus pies.

El libro de Mariano del Mazo, afirma que Sandro si bien se había impuesto en América como artista y había vendido millones de discos nunca logró imponerse en España, por ejemplo.

En el otro libro, de Darío Suárez,  Sandro reconoce en una entrevista que la canción “Trigal” había sido censurada en España por haberse considerado que era muy sensual.

Sandro se entregaba al público en cada actuación y en cada disco pero también reconocía que él no “compraba” lo que “vendía”.  En su vida privada seguía siendo Roberto Sánchez.

Preservó su intimidad en la casona que compró en Banfield y conservó el misterio hasta el fin de sus días. Las fans lo seguían y esperaban en la puerta de la casa para cada cumpleaños donde el artista debía salir a saludarlas.

Sandro también confesó en entrevistas que en la intimidad de su casa donde había construído un estudio de grabación, componía música de otro estilo, leía filosofía y pintaba. Sin embargo tenía un público fiel compuesto mayoritariamente por mujeres que habían convertido también a sus hijas y algunas a sus nietas también en fans de Sandro.

Mantener ese público no le había permitido a Sandro cambiar de estilo en los últimos años. Sus espectáculos además de musicales se habían acercado más a lo teatral, con guión y actores. En ocasión de uno de sus viajes internacionales  se encontró con Joan Manuel Serrat que estaba alojado en el mismo hotel. Serrat lo fue a visitar a la habitación, dice Sandro en una entrevista y se puso a cantar letras de Machado. Y Sandro cantó una canción que no había estrenado en público. Ante el elogio del catalán, el argentino tuvo que confesar que no le resultaba fácil cambiar el repertorio ni estrenar otro tipo de canciones.

Con su manager Oscar Anderle, compuso cantidad de canciones. Anderle fue la figura paternal que acompañó al artista después de la muerte de Vicente Sánchez.

Ante la propuesta de Anderle para que Sandro se radicara en Miami, la meca del negocio de la canción hispana, tal como lo hizo Julio Iglesias, el ídolo se negó.

Fue fiel a sus raíces, siguió viviendo en Banfield, frecuentando a los amigos que había cosechado en el barrio. Respetaba las fiestas navideñas y aunque estuviera de gira quería pasar la Navidad con doña Nina, su madre.

Durante la Guerra de Malvinas, Sandro participó del Encuentro Artístico Nacional por la Paz y la Soberanía en el Luna Park.

Su vida estuvo signada por una crisis existencial que lo acercó a la religión. Vuelta a la democracia, el artista quedó en un sitio bastante solitario, según lo afirma el libro de Mariano del Mazo. Sin embargo, cuando se cumplieron los veinticinco años de carrera del cantante se produjo un cambio inesperado: Sandro 88 se editó por el sello EMI y ha había otro clima respecto de la figura del cantante: “… Sandro no hizo nada para el reciclaje de su imagen. Ocurrió a pesar suyo…”.

El chico de Valentín Alsina, Sandro de América, fue despedido por ciento cincuenta mil personas que testimoniaron su afecto al ídolo.

Roberto Sánchez descansa en paz en un cementerio privado de la Provincia de Buenos Aires. Sandro, el personaje, vive en la música y en los recuerdos de los fans.

bibliografía: 

Darío Suárez, Sandro el ídolo, Grupo Editorial Planeta/Booket, 2004

Mariano del Mazo, Sandro el fuego eterno, Aguilar, Altea, Taurus, Alfaguara S.A. de Ediciones, 2009

fotografía: gentileza de Gustavo Alberti, de Semadiario (Junín, Provincia de Buenos Aires).

(c) Araceli Otamendi - Archivos del Sur 

Lecturas: Historia de la música

Historia de la música
Pola Suárez Urtubey
Editorial Claridad

(Buenos Aires)

Pola Suarez Urtubey propone en esta obra un enfoque novedoso de la historia de la música, al relacionarla con los cambios de textura que se han operado en el curso de los siglos a partir del canto cristiano. Convencida de que allí reside la transformación más profunda del lenguaje sonoro, la autora divide su libro en cinco partes - textura monódica, polifónica, monódica acompañada, homófona y contrapunto disonante-, estableciendo por esa vía relaciones internas y sugestivas entre períodos históricos o entre tendencias estéticas aparentemente desconectadas. Asimismo, su análisis refleja los cambios que se operan en la estilística del arte sonoro, como reflejo de las transformaciones en el seno de lo social. La música —obra del hombre— es presentada como un lenguaje sensibilísimo que vibra al compás de las mutaciones políticas, religiosas, económicas, filosóficas, que marcan las alteraciones históricas de la humanidad. El lenguaje claro y sencillo, no exento de rigor científico, convierte a la Historia de la Música en una obra de consulta útil y amena tanto para el estudioso como para el lector aficionado a este arte.

La autora preparó el libro pensando en los lectores de buen nivel intelectual que aspiran a conocer sistemáticamente el proceso de desarrollo histórico de la música culta occidental, tratando de mostrarle de qué manera ese desenvolvimiento responde a las grandes oleadas del proceso histórico-cultural de la humanidad. Si las primeras palabras se dirigen a la música de los primitivos o si se insinúan unos escasos conceptos sobre el arte oriental del pasado, es sólo para mostrar las profundas raíces que alimentan al Occidente sonoro.
Además contempló las necesidades el estudiante de música de conservatorio, razón por la cual hallan cabida en este libro consideraciones de origen técnico, en la esperanza de que la persona sin formación en ese terreno pueda acceder de alguna manera, o al menos, vislumbrarla, a la problemática de la composición musical.


Fragmentos

La herencia griega

“Numerosas leyendas griegas giran en torno de la virtud mágica de la música. Por medio de su arte Orfeo no sólo hace reír y llorar a las personas, sino que domestica a las fieras y conduce los elementos para fines generosos o egoístas. Anfión, hijo de Antíope y Zeus y esposo de Níobe, hija de Tántalo, aparece como el mítico inventor de la música. Al son de su lira se levantaron las murallas de Tebas.
Pero, más allá de lo que ilustran los mitos y leyendas, queda el testimonio irrefutable de filósofos y políticos, de cuyos escritos emerge una concepción superior del poder de este arte. A través de la “doctrina del ethos”, cuyo mayor exponente fue Platón, se advierte cómo el efecto ritual que se le había hasta entonces concedido en las culturas más antiguas, es sobrepasado ahora por su efecto ético. La música conducía al perfeccionamiento del alma y al apaciguamiento de las pasiones.
Es cierto que al actuar sobre la voluntad, sus efectos no siempre eran benéficos. Según la “doctrina del ethos”, ella podia influir de distintas maneras, sea incitando a la acción y conduciendo al fortalecimiento del ser considerado en su conjunto o bien trastornando el equilibrio mental hasta anular la fuerza de voluntad normal y reducir al sujeto a la pérdida de noción de sus actos…”.


El Renacimiento


“No hay acuerdo para delimitar cronológicamente el Renacimiento musical. Para unos abarca de 1450 a 1600; otros llevan sus inicios a 1420 y aun antes. Blume, por su parte, fija su conclusión hacia 1570.
Renacimiento, para los historiadores de las artes visuales, suele significar los estilos de pintura, escultura y arquitectura de los siglos XV y XVI. Gradualmente ese lapso más amplio se aplicó a todas las manifestaciones culturales…”.
“…La nueva concepción afirma el culto de la belleza y exalta las facultades del hobmre, la vida terrena, la naturaleza. En el campo del arte, la búsqueda de la belleza, en efecto, constituye el principal objetivo del artista, con lo cual se relegan a segundo plano los propósitos didácticos del Medioevo, cuando los intereses del individuo se subordinaban a su función como elementos de la unidad social. El concepto moderno de la personalidad creadora penetra en la conciencia, al punto de que dicho creador se siente con derecho a afirmar su autonomía por encima de la tradición, de la doctrina y de las leyes…”.

Pola Suárez Urtubey es profesora en Letras y Doctora en Música por la Universidad Católica Argentina. Ha realizado numerosos trabajos de investigación musicológica sobre la creación argentina aparecidos en obras colectivas y es autora de varios libros, entre ellos Alberto Ginastera y Ginastera en cinco movimientos, que han devenido en obras clásicas del tema, La música en el ideario de Sarmiento y Breve Historia de la música.
Es musicógrafa del Teatro Colón y columnista de música clásica del diario La Nación de Buenos Aires. Desde 1999 organiza cursos públicos en el Teatro Colón sobre el tema “Aproximación al conocimiento de la ópera”, como parte de una intensa labor pedagógica.
En 1999 fue designada Miembro de número de la Academia Nacional de Bellas Artes de la Argentina y Miembro de número de la Academia Argentina de la Historia.